Una de las obras del papel doblado más trabajadas durante dicha convención, fue la "Estrella de Bascetta" cuyo nombre proviene del propio creador Paolo Bacetta. Dicho diseño consta de 30 unidades tornillo.

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Trevor Williams lleva el graffiti a otra modalidad.

El fotógrafo y pintor Trevor Williams ha intervenido el paisaje de varios lugares en Japón con sus vanguardistas graffitis luminosos, redefiniendo la estética de la arquitectura.

Trevor Williams ha sustituido las pinturas de areosol por lámparas LED y flashes de xenón que captura en sus  fotografías.

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Women es el proyecto de arte callejero en una favela de Río de Janeiro.

La exhibición de arte Women del artista JR, hecha en 2008, ha sido una de las campañas más exitosas de arte callejero. Consistió en poner fotografías a grande escala de mujeres en varias casas de Moro de Providencia, una favela de Río de Janeiro.

Este proyecto tuvo como motivación hacer tributo a quienes juegan un papel esencial en la sociedad y a pesar de ello son víctimas de violencia, guerra, violaciones o abusos por ideologías políticas o religiosas.

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En el patio de la Escuela Infantil La Herradura de Telde, se construye un pequeño paisaje orgánico, superpuesto a la rigidez tipológica del edificio original, convirtiendo el patio en un escenario limitado y adecuado a la magia de los juegos infantiles.

La forma creada en el proceso proyectual, acaba por dibujar la envolvente exterior de los recorridos más directos entre aulas y acceso al edificio, dando como resultado una especie de “pieza de puzzle” que, encajada sobre el edificio preexistente con el máximo respeto, casi sin tocarlo, dejando pasar el máximo de luz por todo el perímetro, evitando un excesivo soleamiento en las horas de juego y permitiendo la ventilación de las aulas a las que sirve sin recibir un exceso de radiación solar.

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Está basado en la jaula para aves usada comúnmente en México. El título del pabellón surge de la expresión utilizada por la mayoría de las personas al ver un animal encerrado, en el puesto de un mercado o en un zoológico.

Esta jaula/pabellón busca generar una reflexión sobre los actos de encierro que hacemos los humanos con respecto a otras especies. El espacio de ¡Qué bonito! puede servir para albergar  una muestra fotográfica, escuchar una conferencia, mirar una proyección o sencillamente pasar un rato.

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Trarc Arquitectos ha diseñado la Escuela de Artes en Nantes, un interesante edificio de aspecto moderno en Francia servicial a la música y la danza-teatro en el primer piso y un espacio para la exhibición en el segundo piso. Sin embargo, es la forma en la que también están conectados llama la atención. 

Estas escaleras escultóricas son el punto focal de todo el edificio. Con una forma irregular, el remolino equilibrado de color interrumpe el aspecto homogéneo de los interiores y recordar a los visitantes que este es, en efecto, un lugar de creatividad. Su diseño es divertido observar desde cualquier punto de vista y, probablemente, hace subir las escaleras más fácil también. Se puede pensar en alguna razón por qué un proyecto similar no podrían ser implementadas en una residencia moderna.

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La polémica por la estatua de Aliyev reavivó el tema de una comisión de imagen urbana como la que existió en 1998.

De existir todavía la Comisión de Arte en Espacios Públicos de la Ciudad de México, una historia muy diferente habría habido con la estatua de Heydar Aliyev en el Parque de la Amistad México-Azerbaiyán, coinciden en entrevista el arquitecto Fernando González Gortázar y el historiador y cronista de la ciudad Alberto Barranco. El desenlace de esa historia fue justamente por la vía de una comisión que hizo recomendaciones puntuales para evitar un conflicto de mayor nivel.

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Payo Söchting ha desarrollado su trabajo en diferentes proyectos relacionados con la gráfica, el dibujo, las intervenciones y el buen humor.

Su colorida obra se expresa en trazos simples y directos, que se nutren de diferentes escenas, personajes y paisajes desplegados por la gráfica chilena de los 70s, expresadas en el imaginario colectivo, la musicalidad de la imagen y el espíritu festivo.

El 2012 realiza la ilustración oficial para la tricota líder de la Vuelta a Chile, gana un Fondart de Creación, para el desarrollo de un libro infantil ilustrado ("Las Alucinantes Aventuras del Barco Volador") y desarrolla un mapa ilustrado de Santiago, financiado por Corfo.

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Sten (Roma, 1982) y Lex (Taranto, 1982) son dos artistas italianas que en los últimos años han trabajado y perfeccionado lo que ellas llaman “Stencil Poster”. 

Su trabajo ha hecho que Sten y Lex hayan sido invitadas a museos como el MACRO (Museo de Arte Contemporáneo de Roma) o el Carandente en Espoleto, Italia, y a festivales como al "Living Walls" en Atlanta (que se compuso enteramente de un elenco femenino) o el "Nuart" en Noruega.

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Actualmente el diseño, el arte y la ecología hacen un buen equipo. Y en esta ocasión, los artistas, diseñadores y decoradores, han encontrado en los popotes, un material reciclable, útil y vérsatil para la fabricación de objetos de decoración para el hogar, que además pueden ser funcionales: lámparas, esculturas y hasta muebles. 

Tal es esl caso de la silla del diseñador escocés Scott Jarvie, quien fue galardonado con el Zaha Hadid's Curators Choice en 2008, gracias su "Clutch Chair", una silla compuesta por aproximadamente 10 mil popotes, la cual fue acompañada por la pieza de iluminación "The Clutch Light". 

Otro ejemplo es el artista visual Sang Sik Hong quien realizó una serie de esculturas colosales hechas a base de dicho material, las cuales fueron expuestas en el Patrajdas Contemporary Art en Philadelphia el año pasado. 

Así, el trabajo de estos creadores aporta una idea de cómo reciclar con estilo, una tendencia que en la actualidad ha continuado en expansión, puesto que ya en algunas tiendas de objetos decorativos y en museos, se ofrecen piezas hechas a base de popotes o pajillas.

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Esta semana arranca en Nueva York la sexta edición de PINTA, la feria de arte latinoamericano más grande y representativa de Estados Unidos, que reunirá del 15 al 18 de noviembre, a una serie de coleccionistas internacionales; pretende alcanzar al menos 15 mil visitantes en sus 58 galerías y que albergan obras de 22 artistas mexicanos.

"Hombre con Hacha", obra de la argentina Liliana Porter, artista destacada de la PINTA. 

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Hace medio siglo, el arquitecto Pedro Ramírez Vázquez (Méx. DF, 1919) concibió un recinto que albergara las invaluables colecciones arqueológicas de México: el Museo Nacional de Antropología (MNA); ahora ese monumental espacio cobija, en homenaje, 40 esculturas del arquitecto-escultor, estableciendo así un diálogo en el que la fuerza de la estética primigenia, simple, rompe los límites espacio-temporales.

Esa faceta menos conocida y visible del autor, pero quizás más íntima, es la que el visitante del MNA podrá conocer en la exposición Pedro Ramírez Vázquez: Escultor, que permanecerá durante un mes (hasta el 11 de noviembre) en el balcón de la Sala Mexica de este recinto, donde la amplitud del campo visual, en comunión con el patio central, brinda lecturas yuxtapuestas entre el pasado y el presente.

Con la presencia del arquitecto en la inauguración de la muestra, Alfonso de Maria y Campos, director general del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH-Conaculta), hizo hincapié en que el arte contemporáneo ha estado ligado desde un principio al Museo Nacional de Antropología, pues en su creación se convocó a connotados artífices del siglo XX, incluyendo a Ramírez Vázquez, cuya obra escultórica se presenta por primera vez en este recinto que él construyó.

Esa lectura contemporánea de los acervos arqueológicos sigue vigente y esta exhibición en torno a la obra escultórica de Pedro Ramírez Vázquez, se inscribe en tal idea, expresó De Maria y Campos, en la apertura de la exposición en la que estuvieron Diana Magaloni, directora del MNA, familiares y amigos del arquitecto.

Tras referir que las piezas de pequeño y mediano formato, son variaciones del poder y la sutileza contenidos en las obras prehispánicas originales, el titular del INAH comentó que en ocasiones se olvida que Ramírez Vázquez es el autor del vitral monumental de la Basílica de Guadalupe que, por cierto, es otra de sus grandes obras arquitectónicas. De manera que el transitar de uno de los “arquitectos contemporáneos más significativos del mundo” por el camino de la escultura, sobrepasa ya las cuatro décadas.

En el cristal y la plata, Pedro Ramírez encontró la materia para esbozar esculturas inspiradas en las geometrías y diseños del México antiguo. Fue en las ferias mundiales de Seattle y Nueva York, de 1962 y 1964, respectivamente, que el urbanista apreció las obras de plateros de Taxco y vislumbró las formas y volúmenes que podría brindarle la maleabilidad de este mineral.

Luego de diseñar un par de años para su gusto personal, en 1969 decidió montar un taller de escultura, dedicando desde entonces parte de su tiempo a esta actividad, y a partir de 1975 estableció una relación con la firma Tane.

Las 40 esculturas que conforman Pedro Ramírez Vázquez: Escultor, “un tributo a los grandes maestros anónimos del México antiguo, que son la simiente de la potencia cultural de nuestro país” —en palabras de él mismo—, son parte de su línea personal en D’Argenta.

En la escultura mexica, xochicalca, mezcala, totonaca… elaborada lo mismo en basalto que en obsidiana, el maestro encontró “expresiones que interrogan la esencia de la vida”, de ahí su interés por conectarse con ellas a través de un proceso creativo personal y dar nueva vida a obras maestras, como el monolito de Coyolxauhqui, las máscaras teotihuacanas o la serpiente emplumada…

Estas piezas, de cristal y plata —dijo Ramírez Vázquez—, “podrían interpretarse como una manifestación futurista de la expresión pétrea de los antiguos escultores prehispánicos”.

La inspiración para crearlas, comentó, le vino de una idea expresada por otro gran arquitecto, el catalán Antoni Gaudí, quien señaló alguna vez que “el sentido fundamental del concepto originalidad es retornar al origen, volver a la simplicidad de las primeras soluciones”.

Para Ramírez Vázquez, “el arte de los pueblos mesoamericanos posee una fuerza estética contundente y genial, tal vez derivada de su búsqueda por interpretar la naturaleza y su ciclo. Es como el principio generador de todo lo posible.

“El trabajo con un material contemporáneo tan noble como el cristal, con su natural transparencia, me ha permitido dar forma a elementos que dejan pasar la luz, o bien, la detienen, la multiplican, la pulen o la matizan. En cierta manera, la luz ha sido la materia prima con la que he trabajado”, explicó.

El Museo Nacional de Antropología hace un homenaje a su artífice a través de esta pequeña muestra, y se suma temporalmente a los recintos que exhiben obras escultóricas de Pedro Ramírez Vázquez, entre los que se encuentran el Olímpico de Lausana (Suiza); del Esquí (Noruega); Amparo (Puebla), del Vidrio (Monterrey) y de la Muerte (Aguascalientes), entre otros.

Pedro Ramírez Vázquez: Escultor. Hasta el domingo 11 de noviembre en el balcón de la Sala Mexica del Museo Nacional de Antropología (Reforma y Gandhi Bosque de Chapultepec). De martes a domingo, de 9:00 a 19:00 horas. Costo incluido al pagar el boleto de entrada al museo (57 pesos).

Entrada gratuita a niños menores de 13 años de edad y adultos mayores a 60, pensionados, jubilados, así como maestros y alumnos con credencial vigente. Domingos entrada gratuita a público nacional y extranjeros residentes.

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La exposición In Wonderland. Mujeres Surrealistas en México y los Estados Unidos, a inaugurarse el 4 de octubre, reflexiona en torno al desarrollo de esas artistas que en México y Estados Unidos se vincularon con el arte surrealista y además trae al país a una de sus dos exponentes vivas, la estadounidense Sylvia Fein.

En el Museo de Arte Moderno se verán obras de Maya Drene, Sylvia Fein, Lee Miller, Yayoi Kusama, Dorothea Tanning, Frida Kahlo, Remedios Varo, Rosa Rolanda, Helen Lundeber, Gertrude Abercombie, Alice Rahon, Kay Sage, Louise Borugeois, Leonora Carrington, Ruth Bernhard, Lola Alvares Bravo y Kati Horna.

En conferencia, Teresa Vicencio Álvarez, directora del Instituto Nacional de Bellas Artes, declaró que esta muestra viene tras haberse presentado en Los Ángeles, California, y Québec, Canadá. Destacó que esta muestra fortalece el trabajo de co-curaduría que por primera vez se hace entre México y Estados Unidos.

El museo LACMA de EU apostó por esta exposición y le dedicó alrededor de cinco años de investigación al tema de mujeres surrealistas.

La muestra, a presentarse del 5 de octubre al 13 de enero de 2013, “presenta un acercamiento entre las mujeres residentes en México y EU y que de 1930 a 1970 estuvieron vinculadas al surrealismo”, dijo Vicencio.

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El complicado futuro al que se enfrentan tras el estallido de la burbuja inmobiliaria en España los futuros arquitectos españoles, y los ya consolidados, queda al descubierto en una de las propuestas de la XIII Exposición Internacional de Arquitectura de Venecia.

Este tema es el que centra el espacio que la Bienal de la Ciudad de los Canales ha concedido en el Arsenal veneciano al crítico y arquitecto español Luis Fernández-Galiano para plantear un proyecto titulado "Spain, mon amour", uno de los que más ha llamado la atención de los expertos y los medios de comunicación que desde ayer asisten a las presentaciones de la Exposición.

Con un mapa de España dibujado sobre el suelo, Fernández-Galiano ha situado varios proyectos de cinco estudios de arquitectura, en total diez arquitectos, sobre el lugar exacto para el que fueron proyectados para resaltar el "talento" demostrado por la arquitectura española en las últimas dos décadas.

En concreto, el arquitecto español da cabida a los proyectos de Francisco Mangado (Pamplona), Mansilla+Tuñón (Madrid), Nieto Sobejano Arquitectos (Madrid), Paredes Pedrosa Arquitectos (Madrid) y RCR Arquitectes (Olot).

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